Der Teufelsberg ist ein Symbol für die kulturelle Vielfalt Berlins und ein Ort, an dem Künstler*innen ihre Botschaften auf unverwechselbare Weise ausdrücken können. Damian Yves Rohde, besser bekannt als DYR, ist einer der Künstler, die diesen besonderen Ort geprägt haben. Sein Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation zeigt seine unverwechselbare Handschrift und künstlerische Vision.

„Glitch Bitch“: Ein Statement für Freiheit und Vielfalt

Der Buchstabe „N“ aus der #FreiheitBerlin-Installation trägt den Titel „Glitch Bitch“ und spiegelt Damian Yves Rohdes Verständnis von Freiheit wider. Für DYR Freihet bedeutet: „man kann das machen und sagen, worauf man Lust hat, ohne jemanden zu schaden. Es ist ein Fundament, es eine Basis wo man auch nicht einer Meinung sein muss, sondern auch miteinander in einem respektvollen Rahmen Ansichten vortragen und sich streiten kann.“ In seinem Werk betont er die Bedeutung von Respekt gegenüber Geschlecht, Religion, Kleidung und Lebensstil – unabhängig von persönlichen Vorlieben.

Das Design des „N“ besticht durch leuchtende Farben, kontrastreiche Details und dynamische Formen. Die dargestellten Gesichter, typisch für DYRs Stil, wirken lebendig und ausdrucksstark. Die brillanten Farbakzente und der Einsatz von Mustern wie den „Glitches“ im Hintergrund verleihen dem Werk eine moderne, digitale Ästhetik, die gleichzeitig verspielt und gesellschaftlich relevant ist. Diese Verbindung zwischen Pop Art und sozialem Kommentar macht „Glitch Bitch“ zu einem Werk, das Freiheit im Berliner Kontext perfekt einfängt.

DYR erklärt: „Berlin steht dafür, eine Basis zu sein, wo jeder so rumlaufen kann, wie er oder sie möchte, und sagen kann, was man möchte, solange man nicht respektlos wird.“ Genau diese Essenz von Toleranz und Individualität hat er in seinem Beitrag umgesetzt.

Vom West-Berliner Kind zum international gefeierten Künstler

Damian Yves Rohde wurde 1985 in West-Berlin geboren und wuchs in einem multikulturellen Umfeld auf, das seine künstlerische Entwicklung nachhaltig prägte. Aufgewachsen in der Kreuzberger und Schöneberger Kunstszene, war er von jungen Kunststudentinnen bis hin zu etablierten Künstlerinnen umgeben. Früh entwickelte er eine Affinität zur Kunst, die von der Graffitikultur an der Berliner Mauer sowie durch Besuche in Ausstellungen beeinflusst wurde.

Seit 2020 hat sich DYR verstärkt der Pop Art zugewandt und einen einzigartigen Stil entwickelt. Dabei abstrahiert er Gesichter aus seinem engsten Umfeld, reduziert sie auf die nötigsten Merkmale und erschafft so Werke, die zugleich persönlich und universell sind. Seine Kunst ist nicht nur in Berlin, sondern auch international bekannt – mit Ausstellungen in Paris, London und weiteren Städten.

Zwischen Wildheit und Individualität

Neben seinem Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation hat DYR ein weiteres beeindruckendes Werk im Gallery-Tower geschaffen. Dieses Wandgemälde zeigt eine dynamische Kombination aus menschlichen und tierischen Elementen, die seine Pop-Art-Ästhetik perfekt widerspiegelt.

Im Zentrum des Murals steht ein großer, stilisierter Bärenkopf mit leuchtend orangefarbenen Sonnenbrillen und einem weit geöffneten Maul, das scharfe Zähne zeigt. Der Bär wirkt gleichzeitig aggressiv und verspielt – ein Symbol für die wilde, ungezähmte Energie Berlins, die doch immer mit einer modernen, kulturellen Schicht überzogen ist.

Links und rechts des Bärenkopfes sind abstrahierte menschliche Figuren dargestellt. Diese Personen wurden im gleichen stilistischen Ansatz wie die Gesichter auf dem Buchstaben „N“ gestaltet, der für DYRs Handschrift typisch ist. Die Verbindung von leuchtenden Farben, prägnanten Gesichtszügen und spielerischen Accessoires zeigt DYRs einzigartige Pop-Art-Interpretation von Individualität und Diversität.

Der Hintergrund des Murals ist in dunklen, lebendigen Farbtönen gehalten, die die Figuren und den Bären hervorheben. Die stilistische Parallele zwischen dem Mural und dem Buchstaben „N“ schafft eine erkennbare Linie, die DYRs Handschrift unverkennbar macht. Diese Ähnlichkeit zeigt, wie er seine künstlerische Identität konsequent in verschiedenen Werken einsetzt und gleichzeitig neue Geschichten erzählt.

Auf dem Teufelsberg vereint sich Geschichte mit moderner Kunst – ein Ort, an dem kreative Visionen Gestalt annehmen und Besucher*innen inspiriert werden. Eine der Künstlerinnen, die hier einen bleibenden Eindruck hinterlassen haben, ist Caro Pepe. Die argentinische Künstlerin und Muralistin, die seit 2012 in Berlin lebt, hat zwei beeindruckende Werke geschaffen: den Buchstaben „I“ für die #FreiheitBerlin-Installation und das Wandgemälde „Rebellion in the Carrousel“ im Rahmen des Power of Female Art Festivals 2024.

Visuelle Meditation

Caro Pepe hat mit ihrem Beitrag zur #FreiheitBerlin-Installation das Konzept von Freiheit in ihrer tiefsten, emotionalen Form interpretiert. Ihr Buchstabe „I“ ist nicht nur ein visueller Ausdruck, sondern auch ein philosophischer. Für Caro ist Kunst Freiheit – die Freiheit, Gefühle auszudrücken, Gedanken zu ordnen und sich von schweren Gedanken zu befreien. Sie beschreibt den kreativen Prozess als eine Art Meditation: „Kunst macht mich leichter, erfüllt mich, und befreit mich von unerwünschten Dingen.“

Der Hintergrund des Werks zeigt gewundene, lebendige Pinselstriche in verschiedenen Schattierungen von Blau, die wie eine kraftvolle Bewegung wirken – als ob ein unsichtbarer Wind durch das Bild weht. Diese fließende Struktur verleiht dem Buchstaben eine besondere Energie und Dynamik, die Freiheit im Sinne von Bewegung und Veränderung darstellt.

Im Zentrum des Buchstabens befindet sich ein Zweig mit jungen, aufbrechenden Knospen. Dieses Motiv symbolisiert Wachstum, Neubeginn und die Befreiung von starren Strukturen. Die Knospen scheinen fast aus der Bewegung des Hintergrunds herauszuwachsen, was den Eindruck vermittelt, dass sie sich aus inneren Kräften emanzipieren. Dieses Zusammenspiel aus dynamischem Hintergrund und organischem Zentrum zeigt Caro Pepes Fähigkeit, visuelle und emotionale Ebenen miteinander zu verweben. Für Caro ist dieses Werk eine Reflexion über Freiheit als inneren Prozess: „Freiheit, die uns von belastenden Gedanken befreit, und Freiheit, die uns wachsen lässt.“

Introspektive Kunst

Caro Pepe begann ihre künstlerische Laufbahn in der Werbebranche als Art Director in Buenos Aires und Madrid, bevor sie sich entschied, ihre Leidenschaft für Kunst zu ihrem Lebensinhalt zu machen. Mit ihrem Umzug nach Berlin im Jahr 2012 startete sie ihre Karriere als freischaffende Künstlerin und Muralistin. Seitdem hat sie auf der ganzen Welt gemalt und ausgestellt – von Europa über Südamerika bis nach Asien.

Ihre Kunst ist geprägt von einer intimen Auseinandersetzung mit der emotionalen Welt. Besonders bekannt sind ihre „One-Eyed“-Frauen, die in vielen ihrer Werke auftauchen. Sie stehen für Subjektivität und die persönliche Wahrnehmung von Realität. „Wir alle sehen nur einen Teil der Wahrheit und definieren unsere Welt auf dieser Grundlage“, erklärt sie. Diese introspektive Sichtweise durchzieht ihr gesamtes Werk und macht es zu einer tief persönlichen und zugleich universellen Erfahrung.

Kraft und Veränderung

Neben dem Buchstaben „I“ schuf Caro Pepe während des Power of Female Art Festivals 2024 ein beeindruckendes Wandgemälde mit dem Titel „Rebellion in the Carrousel“. Dieses Werk, das auf der Wand der ehemaligen Kantine zu sehen ist, erzählt eine Geschichte von Resilienz und der Kraft, alte Muster zu durchbrechen.

In „Rebellion in the Carrousel“ steht die einäugige Frau im Mittelpunkt, umgeben von einem zerbrechenden Karussell. Das Karussell, ein Symbol für endlose Zyklen und repetitive Muster, wird von der Frau aktiv zerstört. Die fliegenden Fragmente und losen Bänder visualisieren den Moment der Befreiung – ein kraftvoller Akt des Durchbrechens und der Veränderung. Die Frau strahlt Entschlossenheit und Stärke aus, ihre Haltung ist aufrecht, und ihr Blick, obwohl nur mit einem Auge sichtbar, vermittelt Tiefe und Intensität.

Die technische Ausführung des Werkes unterstreicht die Dramatik und Symbolik. Caro Pepes Einsatz von Spray Paint, Acrylfarben und Wandemulsion bringt Bewegung und Lebendigkeit in die Szenerie. Die warmen Kupfertöne, kombiniert mit kühlen Blautönen, schaffen einen spannenden Kontrast zwischen der Stabilität der Hauptfigur und der Dynamik des zerfallenden Karussells. Aus der Nähe betrachtet offenbaren sich fein ausgearbeitete Details – wie die verzierte Mähne der Karussellpferde –, während das Werk aus der Ferne seine imposante Gesamtheit entfaltet.

Dieses Wandgemälde ist nicht nur eine ästhetische Leistung, sondern auch ein tiefgründiges Symbol für den Mut, aus alten Mustern auszubrechen. Es inspiriert die Betrachter*innen, über ihre eigenen Zyklen nachzudenken und den Schritt zur Veränderung zu wagen.